Lugar: Museum at FIT
Ciudad: Nueva York
Fechas: 31 de mayo–12 de noviembre de 2022
Curaduría: Tanya Meléndez Escalante y Melissa Marra-Álvarez
Idiomas: Inglés y español
¡Moda
Según la política editorial de Fashion Theory: The Journal of Dress, Body & Culture, la moda es una «construcción cultural de la identidad encarnada.» Como tal, la moda abarca una… Ver más Hoy! Latin American and Latinx Fashion Design Today es de las pocas exposiciones de moda que, hasta ahora, se han dedicado a estudiar la historia contemporánea de diseñadores de moda con raíces en América Latina. Co-curada por Tanya Meléndez-Escalante y Melissa Marra-Alvarez, la exposición pretende reclamar la posición de Latinoamérica como referente de excelencia para la moda global. A través de 60 objetos creados en el último siglo, ¡Moda Hoy! busca exaltar la diversidad del talento latino en el diseño de modas, ofreciendo una mirada descentralizada que refleja múltiples perspectivas. Y, aunque algunos de estos objetivos se quedan cortos, la muestra deja clara la relevancia del diseño de modas latinoamericano en el mundo actual y sienta las bases para seguir explorando las diversas historias que la moda latinoamericana tiene para contar.
¡Moda Hoy! se exhibe en la galería de historia de la moda y los textiles (Fashion and Textile History Gallery), dedicada exclusivamente a presentar los objetos que pertenecen a la colección permanente del museo. Este requerimiento implicó un gran reto para el equipo de curaduría e investigación, pues son más bien pocos los objetos de la colección que representan la creación de moda latina. No es de sorprender, entonces, que la mayoría de los objetos expuestos hayan sido adquiridos o recibidos como donaciones por el museo los últimos años. De las piezas donadas, muchas fueron presentadas por sus creadores y otras por Tanya Meléndez-Escalante.
El espacio de la muestra se percibe desde afuera del museo, con el título “¡Moda Hoy!” iluminado con luces de neón y el subtítulo y la introducción a la exposición, en inglés, casi desapercibidos. A la izquierda se puede divisar la gloriosa pareja de prendas que introducen la exposición: un vestido de Kika Vargas (Colombia) del 2022 y el abrigo-cobija con la Virgen de Guadalupe de Brenda Equihua (México/EE.UU.) del 2018. Solamente al entrar a la galería se pueden leer los resúmenes de la exposición en español y portugués, y el segundo idioma prácticamente desaparece de la muestra después de la entrada.
Con su estructura en forma de T, la galería ofrece un recorrido dividido en ocho secciones temáticas, que dan luz a la diversidad de la creación en moda a manos de diseñadores de origen o ascendencia latinoamericana en el último siglo. Frente a la dupla introductoria, se introduce el trabajo de siete creadores del siglo XX como antecedentes para la moda latinoamericana de hoy Luis Estévez (Cuba), Adolfo Sardiña (Cuba), Carlos Falchi (Brasil), Carolina Herrera (Venezuela), Oscar de la Renta (República Dominicana), María Cornejo (Chile) e Isabel Toledo (Cuba).
A partir de ahí, la exposición se concentra en el trabajo de diseñadores del siglo XXI, a través de seis temas que ilustran la variedad en el diseño de moda latino: el patrimonio indígena, el género, la sostenibilidad, la artesanía, la elegancia y el arte. Cada uno de los temas busca contribuir al argumento de las curadoras sobre la diversidad de la moda latina contemporánea, a través de las creaciones de diseñadores que representan la herencia cultural de distintos países de la región. Además de prendas de vestir, accesorios e ilustraciones, se incluyen videos para complementar las ideas expuestas en la exposición.
Las secciones más fuertes en la muestra son aquellas enfocadas en el género, la elegancia, la artesanía y el arte. La primera presenta el trabajo de diseñadores que, a través de la ironía o la simbología en sus creaciones, han desafiado las ideas tradicionales sobre el género, como el machismo y las imposiciones de una feminidad idealizada sobre las mujeres. La sección de elegancia ofrece perspectivas del diseño que van en contra de los estereotipos de sensualidad desmedida, riqueza ostentosa o tropicalismo caribeño que, por lo general, se asocian con la moda latina. La tercera sección, sobre artesanía, incluye un balance entre técnicas tradicionales de Latinoamérica y aquellas provenientes de Europa, como el plisado, el bordado, los apliques de rafia y la técnica brasileña del fuxico. Y la sección sobre arte rescata los múltiples cruces entre diseño de moda y arte en la región. Es de resaltar la yuxtaposición del boceto preparatorio y el vestido “Broomstick” diseñado por Isabel Toledo y pintado a mano por su esposo, el artista plástico Rubén Toledo, para Anne Klein en el 2007.
Las dos secciones restantes apenas tocan la complejidad de temas como la herencia indígena y la sostenibilidad en una región que se ha enfrentado a la violencia de la colonización y el extractivismo cultural del imperialismo durante más de 500 años. La sostenibilidad, por ejemplo, introduce el trabajo de marcas que tienen en cuenta para su creación factores sociales —como Gabriela Hearst (Uruguay/EE.UU.) y Escvdo (Perú)— y ambientales —como Osklen (Brasil) y Jonathan Cohen (México/EE.UU.)—. Sin embargo, queda por fuera cualquier discusión sobre la constante extracción de conocimientos y recursos indígenas que se ha utilizado para transitar hacia la sostenibilidad en la región, sin contar el protagonismo del complejo de salvador blanco entre quienes se consideran “diseñadores de moda” en América Latina.
Más problemática aún es la sección titulada “patrimonio indígena”. Ésta destaca la importancia de las artes textiles para las culturas indígenas e introduce la “colaboración” entre “diseñadores de moda y los artesanos indígenas” como una de las prácticas más comunes en la moda latinoamericana. Aunque la sección destaca la importancia de la herencia cultural indígena y su supervivencia a pesar de siglos de invasión y colonización, extiende una de las narrativas coloniales más nocivas en la moda: limitar a las personas indígenas a un rol de “artesanas” y presentar como “diseñadoras” casi exclusivamente a las personas blanco-mestizas y con educación de influencia euro-norteamericana. Únicamente se introduce a Dayana Molina (Fulniô y Aymara) como diseñadora indígena, en un gesto que se siente casi como el esfuerzo mínimo necesario para cumplir con la cuota de diseño indígena que exigía la exposición.
En su forma de abordar la sostenibilidad y el patrimonio indígena en la moda latina, la exposición se queda corta: hace falta problematizar las dinámicas que se han heredado del colonialismo, la globalización y el imperialismo en la moda latinoamericana contemporánea para entender verdaderamente la creación de moda en la región. Además, el enfoque descentralizado que se propone solamente se evidencia en términos de la variedad de países de origen de quienes crearon las piezas en la muestra: poco hay de diseñadores creando lejos de los centros urbanos o con poco acceso a las capitales globales de la moda o la educación artística occidentalizada.
A pesar de sus limitaciones, la exposición ofrece una excelente introducción a todo lo que puede abarcar el diseño de moda de origen latinoamericano, mucho más allá del estereotipo tropical y salvaje que se percibe desde afuera y que a muchas ya nos tiene aburridas. Tal y como se lo proponen las curadoras, la muestra refleja la diversidad de la moda latinoamericana y el estilo latino por lo menos desde mediados del siglo XX. Además, la exposición demuestra que la moda latina es, en efecto, un referente de excelencia en el diseño, que poco tiene que envidiarle a la moda de origen europeo y norteamericano. Y lo más importante: esta muestra abre el camino para seguir construyendo la historia de la moda latina hoy y con miras al futuro.
