Olivier Theyskens – She walks in beauty debutó en octubre de 2017 en el Mode Museum (MoMu) de Amberes con la intención de hacer un recorrido a lo largo de la exitosa carrera del diseñador nacido en Bruselas, bajo la curaduría de Karen Van Godtsenhoven. El propósito de la exposición se alineó con el del MoMu: exaltar el trabajo de los creadores de moda
Según la política editorial de Fashion Theory: The Journal of Dress, Body & Culture, la moda es una "construcción cultural de la identidad encarnada." Como tal, la moda abarca una... Ver más belgas, ser testigo del legado que están dejando en la moda internacional y mostrárselo al mundo.
El objetivo era hacer evidente la evolución de las creaciones de Olivier Theyskens (1977–) a lo largo de sus 20 años en la industria de la moda, otorgando especial atención a los elementos que, según el MoMu, construyen su singularidad y lo diferencian de otros diseñadores de moda. Theyskens se ha destacado por sus impresionantes dotes de dibujo y fue un autodidacta de la costura que no terminó la educación formal en moda. Además, posee un espíritu de alta costura
Alta costura. ¿Cuántas veces no hemos oído este término (o su equivalente en francés, haute couture)? Es tal vez una de las expresiones más usadas de la moda; un término que... Ver más en sus prendas ready-to-wear y mezcla su sensibilidad artística con habilidades técnicas igualmente notables.
La exposición buscó mostrar que el talento de Theyskens trascendió los cánones de cómo se debe formar un diseñador, de cuál es el camino que debe seguir para alcanzar el éxito. La muestra también se esforzó por demostrar que su proceso creativo es particular por la forma en que aborda la dicotomía entre el dibujo y la prenda terminada, entre la idea y la materialidad de su propia creación. Esta fascinación, nacida de su gusto por ilustraciones de moda del siglo XIX, se expresó al principio de la muestra: “en su propia obra, el dibujo de una silueta es también la imagen perfecta, el sueño, a cuya altura la tela real debe estar” (traducción de la autora).
Esta “imagen perfecta” que Theyskens busca alcanzar se relaciona con la musa para la cual diseña, especialmente en sus primeros trabajos, donde se palpa una atmósfera surrealista. De ahí el nombre de la exposición, tomado de un poema escrito por Lord Byron en 1813, que compara a una mujer con una noche estrellada sin nubes: igualmente oscura y brillante, tan misteriosa como serena, pura e inocente.
La exposición se dividió en cinco momentos importantes de la carrera de Theyskens y siguió un estricto orden cronológico. Comenzó con su debut en 1997, siguió con su etapa como director creativo de Rochas (2003–2006), luego como director artístico de Nina Ricci (2007–2009) y después de Theory (2010–2014) y finalizó con el relanzamiento de su propia marca en 2016.
La combinación de elementos en la exposición refleja la intención de MoMu de “contar una historia completa” en cada exposición (como se indica en su sitio web). Para hacerlo, se utilizaron elementos más allá de las prendas de ropa, incluyendo las “fuentes de inspiración de un diseñador o conexiones con otras disciplinas artísticas” (traducción de la autora), como dibujos y bocetos, muestras de telas, citas, videos de sus desfiles, fotografías tras bastidores de sus pasarelas y textos introductorios de los diferentes momentos de su carrera.
Los visitantes comenzaban su recorrido de la exposición al mismo tiempo que Olivier Theyskens iniciaba su carrera, con sus primeras creaciones presentadas en Knokke, Bélgica, en 1997 y su primera pasarela en París como diseñador independiente en 1998.
Esta primera sección demostró el origen de su apodo: “el príncipe gótico de la moda”. Las prendas casi todas negras, con partes iguales de romanticismo, sensualidad y drama, acentuadas con cierres de corchete en diferentes tamaños (que se han convertido en un detalle característico del creador), hacen parte de esta identidad. Una pieza en particular, diseñada para el debut de Theyskens en París, llamaba la atención de los visitantes: un vestido de gala negro de manga larga y una especie de corazón de encaje rojo en la parte derecha del pecho y hombro, del que salen venas en el mismo color.
El ambiente era tan dramático como algunas de las siluetas expuestas, estructuradas con corsés y crinolinas y confeccionadas con encajes, pedrería, cuero, plumas, satén y tul. Aunque los espacios de la exposición eran oscuros, con pisos y paredes negras que nutrían un aire de surrealismo, se podían apreciar los detalles en las piezas expuestas, ricas en texturas y con cualidades escultóricas. En su totalidad, las creaciones de Theyskens hablan de seducción, rebeldía y erotismo.
Los textos murales de la exhibición relataban que la atención de Theyskens a los materiales y a la artesanía estuvo presente desde el comienzo de su carrera y se desarrolló a medida que produjo más colecciones para su marca personal. Esta evolución se puede evidenciar hasta la segunda etapa de su vida de diseñador como director de la casa de moda francesa Rochas. Manteniendo un fondo oscuro, prendas menos extravagantes pero igualmente dramáticas ocupaban un lugar central en esta parte de la exhibición.
Estas piezas demostraban cómo Theyskens tomó un símbolo icónico de la casa de alta costura, la caja del perfume Femme de color rosa claro, circular y cubierta de encaje, y transformó sus elementos clave en prendas de vestir. Así, las piezas expuestas en esta sección mostraban al diseñador apostando por una estética más romántica que parte ligeramente de su lado más surrealista y oscuro. También se revelaban la sensualidad y la feminidad, con la ayuda del encaje y su relación con la tradición de la alta costura francesa. Theyskens adaptó ese legado en una línea de prêt-à-porter que estaba tan profundamente embebida del espíritu de la alta costura, que los medios la llamaron “demi-couture”, como lo explicó la exposición.
En los tres años que pasó en Rochas, Theyskens eventualmente logró una interpretación más personal de la marca. Ésta se expuso en dos salas circulares, completamente negras, con igual número de plataformas blancas redondas en las que se presentaron sus creaciones.
A continuación, el paso de Olivier Theyskens por Nina Ricci se presentó como una continuación de su búsqueda de cortes que “siguieran el movimiento del cuerpo” (traducción de la autora). Las prendas en este caso fueron presentadas en una habitación blanca y bien iluminada, para detallar la experimentación del diseñador con tejidos de diferentes pesos y calidades para lograr el movimiento deseado. La selección de siluetas para esta sala iba desde lo suave hasta lo estructurado y desde lo etéreo hasta lo futurista, demostrando que sus años en Nina Ricci le permitieron a Theyskens investigar y probar diferentes tipos de técnicas artesanales y enfoques estilísticos.
Las piezas en este momento de la exposición también llevaban un elemento dramático pero diferente al que se percibía al principio. Ahora se trataba de formas voluminosas, ondas rígidas, texturas suaves y rugosas, que de alguna manera construyen una escultura sobre el cuerpo femenino. Las fotografías y videos tras bastidores de algunos de sus desfiles complementaron la selección, humanizando la creación de Theyskens. Estos medios audiovisuales hicieron presentes los rostros y cuerpos detrás y dentro de las piezas, mostrándolas en movimiento e interactuando con el espacio que las rodea y la multitud que las admira.
El video adquiere un papel más significativo en el siguiente momento de la exposición, en donde se presenta la etapa de Theyskens como director de la marca estadounidense de prêt-à-porter Theory. En una sala más pequeña y con pocas prendas, se proyectó la grabación de uno de sus desfiles que mostraba de manera vertiginosa su aporte creativo para la marca. Teniendo en cuenta que Theyskens llegó a Theory a finales de la primera década del nuevo milenio, cuando los nuevos medios y la revolución digital ya se habían apoderado de la sociedad, esta decisión puede responder a un intento de transmitir el cambio en la forma en que se percibe y se comunica la moda en la actualidad.
El espacio final de She walks in beauty abría con un vestido de novia que Theyskens diseñó y confeccionó a mano para una amiga personal. La creación, realizada en satén duquesa con una cola de 5 metros de ancho bordada con hilo de seda, plumas y lentejuelas, se ubicaba en la punta de una sala angular, con la espalda orientada hacia el público, acentuada por la brillante luz de varios reflectores. El vestido fue creado después de que Theyskens terminara sus años en Theory. En la exposición se presentó como ejemplo de la magistral artesanía y habilidad de costura del diseñador, que servía de transición hacia el relanzamiento de su propia marca en 2016.
Este momento se ofreció en la exposición como un instante de autorreflexión y reagrupamiento para comenzar de nuevo el proceso de presentar su propio nombre ante la industria, sin la compañía de una casa de moda. La exposición cerraba con las creaciones de la línea homónima de Olivier Theyskens, que debutó con una colección prêt-à-porter para la temporada primavera/verano 2017. En esta etapa de su vida como diseñador, Theyskens tomó toda su experiencia en casas de alta costura y líneas de prêt-à-porter y la puso en su nueva y propia interpretación de moda, que de alguna manera hace un homenaje a sus primeros años, con motivos familiares como el cuero, las pieles y los cierres de corchete. Así, estas nuevas prendas se pueden entender como una versión renovada de los primeros diseños de Theyskens, con un aura oscura y espíritu gótico, pero modernizados, más suaves y más refinados. Las piezas —cuidadosamente seleccionadas para demostrar su crecimiento como diseñador— conectaban al joven Theyskens que presentó su colección debut en 1997 con el experimentado diseñador de 41 años que regresó a París para hacer una declaración individual, mostrando cómo el creador belga ha cerrado su propio círculo.
La exposición hace un buen trabajo en narrar la historia de un diseñador vivo, al aproximarse a su carrera desde el respeto hacia un creador que se ha ganado el reconocimiento de sus pares, destacando así sus logros y virtudes diferenciadoras, pero sin convertirse en una oda a su figura. A pesar de que el mismo Theyskens estuvo íntimamente vinculado en la creación de la exposición, la muestra logra alejarse de la sensación servil y mercantilista de otras exhibiciones sobre diseñadores vivos, como la polémica Christian Dior, couturier du rêve (Christian Dior. Diseñador de ensueño), que fue presentada en el Museo de Artes Decorativas de París por primera vez pocos meses antes que la de Theyskens fuera abierta.
MoMu logró un sano balance, manteniendo una especie de “objetividad” —a falta de un mejor término— ante el trabajo del diseñador. Esto se reflejaba en el cierre de la muestra, que presentaba la nueva propuesta de Theyskens. Esta última mirada al diseñador antes de salir del recinto le transmitía al público que su carrera todavía se está construyendo y que el lugar que ocupará en la historia de la moda belga e internacional aún no está completamente definido.
Referencias
Anderson, Fiona. “Museums as Fashion Media.” In Fashion Cultures: Theories, Explorations and Analysis, editado por Stella Bruzzi y Pamela Church Gibson, 371–388. Londres: Routledge, 2000.
Menkes, Suzy. «Museum integrity vs. designer control.» International Herald Tribune. 26 de febrero de 2007.
